La première symphonie de Brahms a duré 21 ans. Cela valait bien l'attente. Et aujourd'hui, pourquoi Ivan Fischer et le Berlin Phil se sont séparés à propos de la disposition des sièges
De toute évidence, 21 ans est une très longue période de gestation. Beethoven a écrit ses huit premières symphonies (et s'est retrouvé coincé dans la neuvième) en moins de temps. Mais c’est le temps qu’il a fallu à Brahms pour achever sa Première Symphonie. Il l'a dessiné pour la première fois au milieu des années 1850, alors qu'il avait une vingtaine d'années, et il avait 43 ans au moment de sa création, il y a exactement 150 ans, le 4 novembre 1876 à Karlsruhe.
Au début de l’été, la première du cycle du Ring de Wagner avait eu lieu à Bayreuth – un autre projet qui avait mis plus de 20 ans à se concrétiser. Mais contrairement aux 15 heures et aux quatre opéras du Ring, Brahms n'avait qu'à composer quatre mouvements, d'une durée d'environ 45 minutes. Pourquoi cela lui a-t-il pris autant de temps ?
Surtout à cause de Beethoven. Là où Wagner s’est inspiré de la Neuvième Symphonie de Beethoven comme prétexte pour rejeter le concept de symphonie purement instrumentale – les voix de la symphonie chorale de l’Ode à la joie ont marqué le début du développement par Wagner d’un nouveau type de musique-drame – Brahms s’est posé la question de savoir comment écrire une symphonie avec « ce géant », comme il aurait appelé Beethoven, sur son dos.
Comme si cette pression auto-administrée ne suffisait pas, il risquait des comparaisons encore plus grandes avec Beethoven : sa Première Symphonie se termine par un air qui cite virtuellement l’Ode à la joie. «N'importe quel idiot peut le voir», comme le disait Brahms – ce qui voulait dire que son hommage était bien sûr conscient.
Bref, l’essence de son œuvre est profondément personnelle. Le sujet de cette symphonie est son combat et sa transcendance contre tous ces siècles d’influence, l’histoire de ses angoisses pour les accepter. Le voyage de la musique de do mineur à do majeur – le même que celui de la Cinquième de Beethoven – n’est pas mis en scène comme une recherche d’une utopie englobant l’humanité, comme c’est le cas avec Beethoven, mais comme quelque chose de plus intime. C’est une lutte pour trouver une voix individuelle, une quête d’un territoire nouveau et pourtant connecté à toute cette lourde histoire.
Avec cette œuvre, Brahms n’essayait pas de changer le monde – il essayait de le maintenir et d’y trouver sa place. Le chef d’orchestre et pianiste Hans von Bülow a qualifié la symphonie de « Dixième de Beethoven », ce qui peut sembler être le plus grand des compliments, mais pour moi c’était en réalité une incompréhension de l’intensité unique et de l’intimité d’expression que Brahms trouve dans sa Première Symphonie – une symphonie que Beethoven n’a pas pu et n’aurait pas pu écrire.
Place maintenant à Berlin, avec une histoire qui semble incompréhensiblement triviale à quiconque n'est pas impliqué dans les subtilités de la disposition orchestrale, mais supportez-le. Le chef d'orchestre Iván Fischer a annulé cette semaine les concerts prévus de la Cinquième Symphonie de Mahler avec la Philharmonie de Berlin (Andrés Orozco-Estrada l'a remplacé) parce que les contrebasses ne seraient pas déplacées de leur emplacement habituel à la Philharmonie, leur salle de concert. Ils sont généralement assis à la droite du chef d’orchestre, derrière eux l’un des murs inclinés de la salle.
Fischer souhaitait les placer au fond de l’orchestre, sur une seule ligne, derrière les bois, citant l’exemple de Mahler et, surtout, ses propres oreilles et son expérience. Dans le placement putatif de Fischer, les basses ne peuvent pas se voir et n’ont que le public dans les stalles du chœur derrière elles comme réflecteur acoustique. L’orchestre a effectivement joué de cette manière en 2022, lorsque Fischer les a dirigés dans la Première Symphonie de Mahler, mais les musiciens n’étaient apparemment pas entièrement d’accord avec le résultat – et n’étaient pas prêts, à court terme, à modifier leur configuration pour cette prochaine représentation.
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Fischer a refusé de faire des compromis et s'est donc retiré du concert. Il s'est excusé et a expliqué sur Instagram : "Je ne peux pas faire de compromis car la disposition des sièges est si importante pour le son et pour l'unité de cette merveilleuse pièce..."
Cela ressemble à une intransigeance orchestrale face à l’aventure du chef d’orchestre. Mais ce n’est pas si simple : d’abord, parce que le Berlin Phil a l’habitude de changer de formation lorsque les chefs d’orchestre et les metteurs en scène le demandent, qu’il s’agisse d’échanger des sections de cordes ou de s’atomiser en groupes pour les demi-mises en scène de Peter Sellars de la Passion selon saint Matthieu de Bach avec Simon Rattle ; et deuxièmement, parce que Fischer possède son propre groupe, le Budapest Festival Orchestra, avec lequel il teste de nouvelles configurations orchestrales pour le répertoire qu'il joue, souvent avec des résultats passionnants. (Voici une performance unique de la Neuvième de Bruckner, avec tous les cors assis devant le chef d’orchestre, les transformant en une gigantesque section solo.)
Fischer a parlé au magazine Van de l'annulation. La tradition selon laquelle les principaux musiciens dirigent leurs sections, agissant essentiellement en tant que sous-chefs d’orchestre – la façon dont la plupart des orchestres gèrent leurs performances – est un concept erroné, a-t-il déclaré : « démodé, méfiant et encombrant ». Mais pourquoi ? "En tant que chef d'orchestre, on ne peut pas communiquer les subtilités. Avec mon orchestre, [le Budapest Festival Orchestra], je peux bouger un doigt et le son change immédiatement, car je suis en contact direct avec tous les joueurs de tutti. Mais quand mon geste est filtré à travers différentes couches d'interprétation, tout cela se perd."
Cela ressemble un peu à avoir tout le gâteau et à rétablir une sorte d'autorité moins collaborative sur l'ensemble de l'ensemble depuis le podium. (Mais Fischer dit aussi : « Je comprends le rythme comme quelque chose qui n’est pas mécanique, mais créatif – un encouragement pour sa propre musicalité. De cette façon, un grand orchestre peut vraiment faire de la musique ensemble : magnifiquement, de manière créative, avec beaucoup de liberté et pourtant en totale harmonie. »)
Il est peu probable que Fischer et le Berlin Phil fassent de la musique de si tôt : "Je me concentrerai sur d'autres orchestres et eux sur d'autres chefs d'orchestre. C'est pour le mieux."
Cette semaine, Tom a écouté : Doom and the Dooms d'Oliver Leith. Miasme de passés musicaux improbables et de futurs encore plus impossibles, c’est une prétendue transcription d’un concert prétendument perdu d’un groupe de rock méconnu qui se glisse entre toutes les catégories connues de genres et d’univers sonores. C’est magnétique, hyperréaliste et j’adore ça.
